Il peignait comme un maître à 13 ans : pourquoi a-t-il tout brisé ? Picasso | Documentaire art

Tout est assez vertigineux avec Picasso. Il y  a une certaine magie dans tout ce qu'il fait.

Picasso revisite constamment en transgressant.  Et ça c'est le génie créatif de ne jamais faire  

la même chose. Il est passé de la période bleue à  la période rose à la période africain et ensuite  

sa propre période si j'ose dire: déstructurer  la nature. Picasso va commencer à se faire un nom

Picasso quand il arrive à Paris est  un jeune artiste de 18 ans qui a une  

formation académique qu'il a acquise à  la Corogne à Barcelone à Madrid. En 1900,  

date du premier séjour de Picasso dans la capitale  française, il faut souvenir que c'est la grande  

exposition universelle et Picasso y est invité à  exposer une œuvre, une de ses premières œuvres et  

c'est donc comme un jeune artiste ambitieux  que Picasso arrive à Paris autour de 1900.

Je m'appelle Alain Pontecorvo,  je suis peintre et je suis d'une  

jalousie pour Picasso. Je l'admire  tellement que j'en suis malade.

C'est hallucinant ce qu'il y a entre les dessins.  Et là, c'est les portraits. Mais tu vois ce qu'il  

faisait dans son enfance ? Il a fait ça à 13  ans et la tante Pepa aussi. C'est peint comme un  

Velasquez. Quand il arrive à Paris pour la première  fois, disons que Picasso est un artiste entre le  

réalisme espagnol et une forme de symbolisme. Il  va faire quelques premières expositions à Paris.  

On peut notamment penser à la galerie Ambroise  Vollard en 1901 qui est l'une des grandes galeries  

de la place parisienne. Et là, il expose  des petits formats réalisés très rapidement.  

Ce sont des tableaux très colorés, très  vivants, très vifs. C'est progressivement  

autour de l'année 1902 que Picasso va  inventer en quelque sorte sa manière bleue

qui est marqué par deux éléments principaux.  Le premier, c'est un élément disons thématique,  

un intérêt pour des figures pauvres, marginales,  dans une sorte d'atmosphère à la fois mélancolique  

et tragique. Et puis l'autre élément évidemment  quasi monopole en fait de la couleur bleue,  

la Célestina, ça a été sa joconde. Il y avait  une expressivité et il y avait une émotion.  

qui l'a fait passer avec du bleu de Prusse  tout simplement. Le bleu de Prusse dont il  

se servait abondamment était la couleur la  moins chère et comme il avait pas le sou  

et bien il s'est servi du bleu de prusse et puis  alors quand même du noir et blanc et puis quand  

même un ocre jaune et cetera. Mais le bleu de  Prusse avec le blanc réduisait sa palette à sa  

période bleue. Surtout que les rouges par exemple  sont des couleurs très chères. Picasso dans ces  

premières années de l'arrivée à Paris vit une  existence extrêmement dure, privée de moyens.

La période bleue, surtout avec son grand tableau,  les bohémiens, il commençait à pouvoir s'acheter  

d'autres couleurs. Il a commencé à mettre un peu  de rose, à mettre un peu de rouge, à mettre un peu  

d'ocre. Les thématiques aussi évoluent, même  si on peut percevoir une certaine continuité.

Il y a en particulier une figure qui est  extrêmement dominante dans la période rose qui est  

la figure du saltimbanque Il faut se souvenir  que derrière le clown, il y a une part tragique,  

une part sombre et c'est cette part là qui  intéresse Picasso et qu'il fait émerger.  

Faut sans doute y voir aussi le double de  Picasso. Il y a une forme d'autoportrait  

de l'artiste Bohème moderne qui ne suit pas  la voix royale des prix académiques et qui  

décide de rompre avec ce qui pourrait être une  forme de facilité dans la carrière artistique.

Avec la période rose, d'une certaine manière,  Picasso commence à connaître une forme d'écho  

dans quelques journaux et c'est Apollinaire à  travers les revues dans lesquelles il écrit  

qui va établir le premier portrait en quelque  sorte de ce jeune Picasso qui va ensuite  

tellement évoluer au fil du 20e siècle. Picasso  ne cessant de se réinventer et les critiques  

ne cessant de chercher à comprendre la  suite de ces réinventions successive.

Madame, qu'est-ce que ça vous dit une peinture  comme celle-là ? Ben, je la trouve bien drôle.  

Vivriez-vous avec ça chez vous ? Non. Alors,  est-ce que vous êtes familier avec ce genre de  

peinture ? Ça n'importe quel enfant d'âge moyen peut  faire ça. Est-ce que vous pensez que ça pourrait  

être un enfant qui aurait fait ça ? Non, un enfant  peut pas faire ça. Ça c'est un garçon d'un 17 à 18  

ans ou un étudiant. Est-ce que vous aimez  la peinture moderne de façon générale ? Oui. Oui,  

j'aime bien la peinture moderne. Mais alors ça euh  reconnaissez-vous de qui c'est ça ? Picasso. Non.  

Et ben c'est Picasso. Oh, il est assez vieux pour  arrêter de peintre. Mais si j'avais fait la même  

peinture, est-ce qu'elle aurait la même valeur ?  Le public a besoin de représentation. Il a besoin  

de se retrouver en tant qu'être humain dans  un autre être humain. Mais comme il déformait,  

il reformait à sa manière, là le public a commencé  à réagir négativement. Je me souviens de ce type  

qui m'a dit "Un œil sur un sein et puis l'autre  sur la fesse et puis les oreilles sur le nombril.  

Moi ça me plaît pas." Voilà le genre de bêtise que  j'entendais. S'il faut être artiste pour voir une  

femme aussi laide que ça, vaut mieux ne pas être artiste.  D'ailleurs, à l'époque, tout le monde n'aimait que  

la période bleue et à peu près la période rose.  Après, c'était fini, il rejetaient tout. Les gens  

aimaient beaucoup les impressionnistes. Seulement  personne ne savait que le mal qu'on a dit des  

impressionnistes à l'époque des impressionnistes.  50 ans avant les impressionnistes ont été  

vilipendés. De toute façon, le public  a toujours 50 ans ou 60 ans de retard.

En juin 1907, après des mois d'études de dessins,  de peinture préparatoire reclu dans l'atelier,  

Picasso achève de peindre l'œuvre phare qui ouvre  tout à coup le champ du cubisme. Ce sont les  

demoiselles d'Avignon. Les demoiselles d'Avignon,  ça a été son chef-dœuvre dans sa période de l'art  

africain. Les demoiselles d'Avignon furent  véritablement le grand tableau de Picasso,  

c'est ainsi qu'il le nommait, qui est une  œuvre de bascule qui va constituer un véritable  

choc dans les milieux artistiques que côtoie  Picasso. Les gens n'étaient pas prêts à recevoir  

une telle gifle artistique. les gens en étaient  à il fallait que ça représente quelque chose.  

C'est donc une nouvelle écriture du réel  que Picasso commence à proposer avec les  

demoiselles d'Avignon, s'appuyant bien sûr  Sur ce, qui précède, notamment euh les grands  

peintres de la fin du 19e siècle, Cézanne,  mais aussi Gauguin, Degas et puis un petit  

peu plus loin dans le temps: Ingres. l'ensemble de  ces sources vont constituer un exemple pour  

Picasso qui va commencer à se détacher de la  représentation subjective pour aller vers une  

représentation beaucoup plus conceptuelle  et beaucoup plus synthétique des sujets.

La manière dont il forme et déforme une  tête il y a quelque chose de diabolique et  

à la fois extrêmement créatif. La personne est  toujours ressemblante, même quelquefois quand  

elle est complètement abstraite. Le portrait  de Jacqueline Roque là, tu vois la différence,  

la richesse de composition, d'aller de  l'un à l'autre, c'est ça qui m'intéresse  

chez lui. C'est tout ce qui touche, il en  fait quelque chose à chaque fois différent,  

même si c'est le même personnage. surtout si  c'est le même personnage parce qu'il cherche  

plastiquement comment il va transformer la réalité  tout en restituant la réalité. Ça c'est fort.

Le cubisme pour autant c'est un mouvement qui  ne se construit pas seulement au travers de  

Picasso. Picasso va travailler de manière  très rapprochée avec donc George Braque.  

C'est donc ensemble que Braque et  Picasso vont fonder ce courant  

qui va véritablement faire école  auprès des jeunes générations.

Ça reste un mouvement qui est encore très  confidentiel, peu connu du grand public  

jusqu'à ses premières expositions dans  les salons à partir de 1911 par d'autres  

artistes que Brac et Picasso. Donc Albert  Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay,,  

Fernand Léger, Francis Picabia et cetera  qui vont faire finalement du cubisme,  

un courant international qui va se répandre et  se diffuser en dehors de Paris de la France.

Braque et Picasso étant arrivé aux portes de  l'abstraction et se refusant à tomber dans le  

champ de l'abstraction puisque l'un et l'autre  sont toujours restés très attachés au sujet,  

il décide d'insérer le réel  directement dans la peinture.

C'est l'invention de l'assemblage,  du collage, du papier collé.  

Le tableau relief, c'est à la fois une peinture,  c'est une sculpture. On est à cheval entre  

plusieurs mondes artistiques et cet acte est  un acte révolutionnaire. Il faut dire qu'il  

peignait sur tous les supports. Dès qu'il voyait  une assiette, un journal, il fallait qu'il prenne  

un instrument et qu'il marque son empreinte, qui  laisse sa trace. Il enchaînait dessin sur toile,  

toile sur dessin, gravure, poterie. La  guerre bien entendu marque une rupture.

Braque, Apollinaire, Derain sont mobilisés.  Picasso, en tant qu'espagnol reste à Paris,  

en France. Il se trouve dans une position  d'isolement tout à fait nouvelle après cette  

période d'intense production encordé avec  ses compagnons du cubisme et vont converger  

plusieurs explorations pour Picasso. Il va  poursuivre l'exploration du cubisme mais il  

va aussi revenir à une certaine forme de  naturalisme. C'est à dire il revient au sujet.

On parle du néoclassicisme de Picasso qui lui  a valu des critiques de la part d'artistes plus  

jeunes qui n'ont pas compris ce qu'ils ont  considéré être comme un retour en arrière.  

Ce qui n'était évidemment pas cela avec Picasso.  C'était une manière de réinterroger le réel tout  

en poursuivant cette exploration du cubisme  en parallèle. C'est un type qui a constamment  

évolué. Moi, c'est ça qui me plaît. Il  a fait toute l'histoire de l'art à lui  

seul. Picasso va ensuite constamment  ossiller entre plusieurs écritures,  

plusieurs recherches sans jamais  pouvoir être enfermé dans un mouvement.

Si vous deviez choisir vous-même la toile  qui devrait vous survivre, quelle serait  

cette toile ? Quelle serait cette période ?  Je sais pas. C'est difficile, c'est fait avec  

des intentions tellement du moment de l'époque de  l'état dans lequel tout le monde et moi nous nous  

trouvons au moment de Guernica. J'ai fait Guernica,  n'est-ce pas ? C'était une grande catastrophe.

Les grands moments qui vont marquer  l'aura de Picasso, c'est bien sûr 1937,  

le pavillon espagnol Guernica qui va avoir donc un  écho dans le monde entier principalement positif  

évidemment puisque message de paix, dénonciation  de l'horreur, de la guerre, de cette alliance  

entre le nazisme et le franquisme, il a peint ça  dans son atelier du quai des grands Augustins.

Alors, c'est en plein cubisme. Tout est en noir et  blanc. C'est gigantesque. Ça fait 9 m de long sur  

3 m de haut, je crois. On peut dire que pour le  public, c'est son œuvre majeure. Il va y avoir une  

cristallisation. D'un côté, les grands défenseurs  de Picasso, défenseurs de l'œuvre, défenseurs de  

son engagement et de l'autre des personnes  qui ne se retrouvent pas justement derrière  

cette peinture trop moderne. À cette époque-là,  d'ailleurs, on se souvient pas aujourd'hui à quel  

point Picasso était dénigré. Je devais avoir  16 ou 17 ans. Je disais un jour Picasso aura  

un musée. Et mon père a répondu maintenant tu  fermes ta gueule. Tu as assez dit de conneries.  

200 tableaux, 150 sculptures, une centaine  de céramiques, 3000 dessins et estampes. Un  

ensemble d'une qualité exceptionnel. Pourtant,  mon père aimait la peinture, il aimait Cézanne  

par-dessus tout. progressivement dans  les années 50, Picasso devient aussi et ça  

c'est un élément extrêmement important une  personnalité médiatique. Et au même titre,  

disons que quelques grands acteurs américains,  Picasso avec la même intensité et à la même  

échelle voit son image envahir en quelque sorte  la culture populaire. Et c'est ce qui va ensuite  

suivre et poursuivre Picasso jusqu'à sa mort avec  une extrême visibilité, une extrême médiatisation.

Je devais avoir quelque chose comme 12 ou  14 ans. J'avais dit que j'aimais Picasso  

et je me suis presque fait casser la  gueule à la récréation. Et par la suite,  

les élèves qui ne m'aimaient pas  m'appelaient Pontecasso. Pour eux,  

c'était une injure. C'était en 1948.  Il était encore vivant. j'en était ravi.

J'aurais aimé qu'il soit éternel pour voir la  continuité de ses préoccupations. Lui alors,  

il avait une préoccupation picturale et c'était  sa seule préoccupation. Picasso évidemment créait  

tous les jours plusieurs œuvres jusqu'à la fin  de sa vie. Et je crois que ce qui est vraiment  

fascinant et émouvant aussi c'est de regarder  les derniers tableaux. Picasso vit euh de manière  

relativement isolée. Euh il peint plusieurs  tableaux par jour et ces tableaux euh disent  

cette envie de continuer à à peindre coûte  que coûte. Ce sont principalement des figures  

d'autorprésentation qu'il peint rapidement sur un  grand format. Donc Picasso a plus de 90 ans quand  

même. On retrouve ce besoin de dire, ce besoin  de créer, ce besoin d'exprimer jusqu'au bout.

Quand moi je peins, j'ai toute une intériorité qui  se forme en moi-même. Je fais attention à ce que  

je fais. Je fais attention à la touche. J'essaie  de faire attention ce à quoi tout peintre doit  

faire attention avec le métier qu'il a acquis  pendant des années. Et quand je vois une œuvre  

de Picasso, je me dis j'en suis à milles lieux mais on  a eu la même sensation ne serait-ce que le bruit  

du pinceau sur la toile. On a à ce moment-là  les mêmes pensées, le même besoin de faire,  

le même besoin d'accomplir ce qu'on a dans la tête  et ce que la main va transmettre, de choisir la  

bonne couleur. Moi, je deviens en miniature, je  deviens un peu Picasso moi-même.

Picasso décède en 1973 et cette période un peu de flottement et  pour que cette œuvre tardive soit redécouverte dès  

1980 aux États-Unis dans les années 70, on était  déjà dans l'art conceptuel, la peinture n'avait  

plus bonne presse, mais tout à coup de découvrir  ces peintures tardives peintes avec tant de fougue,  

d'énergie, de force, de puissance a véritablement  replacé Picasso, s'il était toutefois déjà  

descendu, hein, comme un un des artistes les plus  influents euh de de son temps et du 20e siècle.